开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇传统音乐文化论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
二、中国传统音乐在中国传统文化中的重要地位
三、结语
今天，尽管无法原汁原味地重闻历史的声音，但还是可以通过引用谱曲，融入自己的理念和思想，将传统音乐作为非物质遗产发扬光大。相信随着传统文化的回归，传统音乐也必将随着市场经济的逐渐完善，国人生活水平、文化素质和修养的提高而迎来她的春天，再次推助中华传统文化迎来新的繁荣。
作者：何英琴单位：西北民族大学
全书以此为线索，遴选出三位年龄相当、履历相近、乐风相映，在以西方文化为主导的国际音乐舞台上各执牛耳、独具，但又都在一定程度上受到独具特色的汉文化，尤其是受中国传统儒家思想影响的作曲家为研究对象，进行了跨时空、多维度的文化比较和深层的音乐创作思想研究。这三位作曲家分别是创造了“主要音技法”的德籍韩裔作曲家尹伊桑（IsangYun，1917―1995）、自称为“蓝领”的旅欧日裔作曲家武满彻（ToruTakemitsu，1930―1996）和“中美音乐文化交流的使者――”美籍华裔作曲家周文中（ChouWen-chung，1923―）。这部中央音乐学院博士论文系列作曲理论编的首部作品已于2013年10月由中央音乐学院出版社出版。
该书作者宝玉是一名作曲家，中央音乐学院作曲博士，师从中央音乐学院作曲系教授郭文景，中国传媒大学影视艺术学院客座教授，亚洲爱乐国际乐团驻团作曲。
从结构上看，全书分为三个部分，分别对中日韩三国的历史渊源及文化互动进行鸟瞰；分析比较三位作曲家的文化观念和艺术理念；对三位作曲家因各自不同的艺术哲学观和音乐美学观而产生的不同的音响观念进行综合阐释。最后，作者就具体作品分析过程中，在其作品中所能反映出的文化气息与创作手段的内在联系作进一步的理论及理念的总结概述，进而得出结论及其展望。
笔者认为，该书的“创新”与“独特”之处主要有以下几点：
创新之处――
“311定理”在音乐分析当中的创造性运用
独特的视角之一――
对文化与艺术关系的高度重视
1969年，英国著名音乐学家约翰布莱金（JohnBlacking，1928―1990）在其长文《人类经验中的音乐价值》中，从民族音乐学的角度提出了自己的音乐评价思路。他认为，音乐的价值必须在其所存在的语境（context）中考察：“音乐应该作为社会或个体的产品来研究”。从文化的角度出发对音乐作品进行分析，可谓挖到了作曲家的根，因为它把作品分析放到与作曲家本身不可割裂的文化大背景当中。作者对中日韩历史文化溯本探源，以期对当下音乐创作领域内颇为复杂的民族性与西方现代性的主客体关系的再认识，以及对如何以西方现代作曲技术反映本区域或本地区的民族文化精神，进而通过研究东亚三位作曲家的人文背景和音乐历程以及独有的美学构架，从而梳理出具有现实意义与应用意义的理论手段。
当我们面对一棵大树的时候，通常只留意上面的枝叶，而很少看到树之“根”，以及它所在环境中的土壤、周遭的空气，所以就不可能理解这棵“树”（作曲家）为什么长出来的是这样的“枝叶”（作品），而不是别的样子。比如，为什么尹伊桑的作品是这样而不是那样，那是因为他的作品一定是他从本民族文化中悟化的东西。该书认为我们在评价一个作曲家的作品时，不仅是要看其表象，还要追其本质，还要回头去追溯这个作曲家为什么是这样；不但要知其然，还要知其所以然。“所以然”就是要回到他所身处的文化、他的生平、世界观，所有这些都可能决定“作品”这个结果。
另外，本书从实用性的角度去看待作曲技术，具有正本清源的价值，而不是按常规的做法，单纯地将其归纳成某一种技术公式。从技术本身来讲，理论家习惯把它归纳成一种公式，这样也许便于教学与传播，但试问这些大师中有多少是带着这样一种公式去创作的呢？也许他们只有一种开放的精神和躁动的心灵，从而导致他们产生一种创作的冲动。这种冲动促使他找到一种表现方式，而这种方式与其他公式其实是不一样的。比如武满彻的技术分析就很难归纳，什么“十二音”、“音集集合”都不是，就像画家对于油彩的驾驭都是由形象思维决定的，而不是说遵从了某种模式；又比如格里格的《培尔金特》第一组曲中的《晨曲》与北欧的冷空气之间的关系。所以，我们说，对艺术家的具体探讨一定要与文化结合起来进行，剥离了文化，便成了无源之水。
独特的视角之二――
这是一本作曲家分析作曲家的书
与一些非作曲专业人士的“隔靴搔痒”的作品分析而言，本书不寻常之处在于它是一本作曲家分析作曲家的书，显然这样更地道。要知道，日前在个别地方综合类院校作品分析领域里存在一种“一犬吠影，众犬吠声”的现象，其后果就是使作品分析脱离了音乐本质，成为一种“玄学”，甚至一部“科幻剧”。因为缺乏专业的工具，分析的层面只能停留在华丽辞藻的堆砌上，始终不能深入挖掘，读者自然看不出其中的门道。没有与之匹配的钥匙怎么打得开这把锁呢？作曲是一门学问，不懂技术如同没有钥匙，所以打不开“这把锁”。我们不能把毕加索的“胡来”不能等同于一个普通人的涂鸦。
音乐评价者不可避免地会受到其认知能力、经验知识和评价标准的制约。②作曲家本身积累的丰富的听觉经验、良好的作曲技术，以及个人的音乐、非音乐知识为其在做音乐评价与分析的时候，提供了一种得天独厚的优势。
作者在书中对三位作曲家音乐风格做出了精准的概括：玉树临风――踔厉乱画――好好做自己，精炼地点出了他们的“形神”所在。
关于“玉树临风”的尹伊桑的研究论文主要有《“主要音”在尹伊桑室内乐中的运用》③、《浸染则会东方文化观念中的“主要音技法”――简评尹伊桑的创作》、《尹伊桑作品中的反和声手法（上）――〈大提琴协奏曲〉1976简析》④等十几篇，这些论文基本上都是以“主要音”作曲体系为研究对象。
作为20世纪美籍法人作曲大师埃德加德瓦雷兹的挚友，在其逝世后成为他音乐财产的管理人和权威解释者，美籍华人周文中为中国青年作曲家提供在美国事业发展的空间，并为中美音乐文化交流做出了巨大的贡献。⑩关于“好好做自己”的周文中的研究论文也有十几篇，对作曲家音乐风格和作品的剖析的论文主要有：《周文中：其人其乐》{11}；《西器中韵和而不同――周文中〈渔歌〉的音色移植与延音功放配器法分析》{12}；《周文中对古琴曲〈渔歌〉移植的艺术观念》{13}等。而近年来把东亚三国作曲家放在一起研究的，只有青年韩裔学者刘贞银（上海音乐学院西方音乐史方向的博士）{14}。
作曲家宝玉正是基于对上述研究成果的整理分析，分别选取了尹伊桑的《穆瓦克舞蹈幻想曲》、武满彻的《幻影》和周文中的《花落知多少》三部作品，进行了音乐结构分析、音高结构分析和音响形态分析。这三部作品都是以西洋管弦乐为音响载体，虽然周文中的《花落知多少》乐队规模略有变化而且稍小一些，但三位作曲家都是以西洋管弦乐编制为主体来幻化东方之声。这是作者选取分析对象的共性。
独特的视角之三――
对“现代性”与“民族性”的独到见解
19世纪后半叶兴起的欧洲民族乐派是欧洲音乐浪漫主义运动的一个重要部分，它为音乐的浪漫主义运动发展注入了新的血液和生气。20世纪初，西方的古典主义和浪漫主义音乐曾对亚洲的传统音乐发生强烈影响。东亚三国迅速接受了西方音乐，但西方元素和传统元素基本处于并置状态，作曲家孜孜不倦地寻求着民族文化身份。20世纪下半叶，西方现代音乐技法和观念的传入使亚洲作曲家找到了新的资源，在探索本民族现代新音乐的征程中更进了一步。可见，东西方音乐文化的碰撞与交融带来的是各国文化对“现代性”和“民族性”的双重诉求。
人们通常认为：只有抵抗西方现代性才有自身民族性，一旦全盘接受现代性的话就没有自己的民族性了，宝玉并不认同这个观念，而是通过对三位作曲家的作品研究与分析，并结合文史资料的阅读，从而找到与西方现代性相承因的东亚现代性，以及东亚现代性与东亚古代文明融合的历史渊源关系，进而提出并证实：现代文明是一个经起源、融合、发展，变异为相互关联的一个综合系统。并在结论中胆识、有主见地提出：
“问题的关键仍是我们有没有能力和胆识直面处于‘主场’的西方，而不是‘避实就虚’地绕过西方；有无自信通过西方音乐技术理论进入本民族传统进行国际化的文化梳理及艺术改造。也就是说，我们需要穿过西方现代性一步步回到自己的传统，而后再将经过整合后的、具有‘普世’价值的音乐作品带向西方以至于世界音乐舞台。”
结语
①于润洋《肖邦音乐的民族内容――纪念波兰杰出音乐家肖邦诞生一百七十周年》，《音乐研究》1980年第1期。
②柯杨《有限的相对主义――论音乐的价值、质量及其评价》，中央音乐学院音乐美学博士论文。
③傅文《“主要音”在尹伊桑室内乐中的运用》，上海音乐学院2012年5月，硕士论文。
④罗新民《尹伊桑作品中的反和声手法（上）――〈大提琴协奏曲〉1976简析》，中央音乐学院学报2006年第3期，第32―43页。
⑨刘嫣《武满彻电影配乐的理论研究――以电影〈怪谈〉和〈乱〉为例》，上海音乐学院音乐学硕士论文，2010年6月等。
{10}孙铿亮《中美音乐文化交流的使者》，《音乐美学》第59―62页。同类论文还有陈钢的《早春二月柳色新――记周文中教授与美中文化交流》。
{11}尼古拉斯洛尼姆斯基《周文中：其人其乐》，朱建翻译，《艺苑》音乐版1996年第2期，第54页―59页。
{12}侯太勇《西器中韵和而不同――周文中〈渔歌〉的音色移植与延音功放配器法分析》，《乐府新声》2012年第1期，第84―89页。
{13}邹昊《周文中对古琴曲〈渔歌〉移植的艺术观念》，《音乐创作》2013年第2期，第109―111页。
感谢“金钟奖”评委会，在上百篇的论文中，把我的论文《民族音乐结构型态中程式性与非程式性》评为等次奖中的铜奖。正如居其宏先生在《中国艺术报――中国音乐》专栏中所言：“任何学术作品评奖同其他艺术作品评奖一样，都是一种没有绝对硬性衡量指标的软性评价活动……其中也必然渗透着评委们自身的主观性……”。三十多年来，中国音乐学界发表了成百上千篇的优秀论文，水平高者，绝不只有这几十篇。我虽然有幸进入这几十个人的名次，但自知，和学界的其他朋友相比，还有很大的差距！
中国传统音乐是一个巨大的宝藏，它的储藏量用无以计数来形容一点也不过分。但从当下来看，我们对这笔财富还是有些忽视了，对它的发掘还很不够。这不能不令人担心！如长期这样下去，对中国音乐的繁荣与发展是很不利的！
从历史上看，凡是重视和热爱民族民间音乐的人，凡是去挖掘它、学习它并研究它的人，不管你是音乐学家、作曲家还是表演艺术家，都会有大的收获，并且都能运用到他们的艺术创作中去。比如当年在延安的“五人团”，他们都是作曲家，如马可、刘炽、张鲁等。由于他们从“小鲁艺”走进了“大鲁艺”，即认真地、虚心地向民间音乐学习，向民间艺人学习，故而他们创作的作品都浸透着中国人的血液，浸透着中国的民族精神，深受中国人民大众的喜爱；再比如一些歌唱家，如郭兰英、李双江、吴雁泽等，他们长期受民族民间音乐的熏陶，使他们的歌唱那么有中国的韵味。还有一个例子，当年选择演唱电视连续剧《三国演义》中插曲“滚滚长江东逝水”的歌手时，有20多位明星大腕参加选拔，但谷建芬女士却独独选中了杨洪基，认为他唱的有味儿！后来杨洪基说，因为他曾学过京剧。再比如竹笛演奏家张维良，他是苏州人，从小住在昆曲和评弹团的大院内，不仅天天受熏陶，还特意向剧团的笛师学习昆笛的演奏，所以他创作、演奏的作品，都具有浓郁的江南风韵。
①该文是根据在第八届中国音乐“金钟奖”理论评奖颁奖典礼期间召开的“高端论坛”上的发言稿，加以整理、修改、补充而成。
②所谓“两张皮”是李方元先生提出的。是指在民族音乐学的研究中，两者之间基本上是互“不搭界”的。这是一种形象的比喻。
③现在包括一些实际是研究传统音乐（学）理论的人，也往往自称是民族音乐学。这我就不知是什么心态在作怪！
董维松中国音乐学院教授
一、21世纪以来的研究
二、云南民族传统乐舞研究学术视野的转换
作者：黄凌飞柴雨青
论文关键词：周杰伦，歌曲叙事意象，叙事主题，叙事语言
长期以来，流行音乐作为一种稍纵即逝的快餐式文化，难有深刻的内涵，所以它在音乐领域并不曾受到专家学者们的重视。但是，它作为当代最为普遍流行的音乐形式，为广大群众特别是青少年朋友所追捧，对社会的影响力实在不容小觑。因此，当下流行乐坛以周杰伦为代表的一批歌手掀起的“中国风”对寻找、回归中国传统文化起到了较大的影响。
流行音乐作为回归传统文化的力量在两个方面产生巨大的影响。一是以流行音乐作为工具，用它的创作与传播对背离传统文化而产生的种种不良社会现象与文化现状提出抗议，另一是某些音乐本身就是传统文化的展现，通过传统文化自身独特的魅力赢得人们对传统文化的再度认同、热爱与追随。从叙事的观点来分析周杰伦所演唱歌曲，我们可以看出，他的歌曲无论是从形式还是内容上都非常注重展现中国的传统文化。
一、叙事意象
意象作为一个生命力极强的诗学范畴，在各种艺术领域中占据相当重要的地位。周杰伦演唱的歌曲中跳动着多个鲜活的自然意象（、稻香、芭蕉等）和蕴含丰厚民族特色的文化意象（炊烟、阁楼等）。
以《青花瓷》为例，瓷器是中华民族特有的文化符号，也是使西方认识中国的一个特殊名词。它凝聚了中华民族工艺、书法、绘画的精髓。青花瓷以其稳定的色泽，明净素雅的画面成为瓷器中的珍品。歌曲中的青花、檀香、烟雨、锦鲤、汉隶、宋体等对青花瓷的描绘完全展现出了青瓷洗尽铅华、古朴典雅的那种“自顾自美丽”。再加上古筝叮咚，牙板清扬，琵琶淙淙和周杰伦柔情而古朴的唱腔，构成了一阕佳作。
《东风破》中孤灯、圆月、烛火、酒、水东流、古道、荒烟等意象音乐论文，很容易令人想起《相见欢》或《天净沙秋思》等诗词，这些意象的运用不仅深化了歌曲的内涵，而且重复渲染着中国传统文化的主题。《上海一九四三》中泛黄的春联、黑白照片、雕花的门窗、斑驳的砖墙、豆瓣酱、旧皮箱等都是显明的传统文化意象，它们能够使观众产生强烈的认同感，因为大家都有过相似的经历或有相同的文化浸润。二、叙事主题
对于文艺作品的主题，当前人们比较通行的一种看法是，它属于文艺作品的深层意蕴，它常常透过形象、意境而表达出包含某种思想观念和审美意识。从具体作品来看，周杰伦的歌曲数量庞大，主题多样，但从众多而多样的歌曲中，我们可以发现他所演唱的歌曲主题大多不离传统文化。
爱国主题是周杰伦歌曲的第一大主题。广为传唱的《蜗牛》于2006年被上海市教委列入《上海中学生爱国主义歌曲100首》的推荐目录论文开题报告。《本草纲目》迫不及待地要向国外输出中国传统文化，他说我们民族曾经创下了古文明，因此要“抓一把中药服下一帖骄傲”，希望“华佗再世”，医治“崇洋媚外的病症”，并且要把我们的中华文化传播出去，甚至还要让“外邦学汉字”。《双截棍》一歌中以武林绝技将“东亚病夫的招牌”“一脚踢开”，歌中的“仁者无敌”、“一身正气”既是中华武术的精髓也是中国人立身与处世的根本所在。《龙拳》豪情万丈的宣告：全世界的表情/只剩下一种/等待英雄/我就是那条龙！这里的叙事者是一个自信、骄傲以及充满尊严的中国英雄。
“百行孝为先”是典型的中国传统文化。《爷爷泡的茶》讲爷爷在主人公小时候泡茶的生活情节，那就是家的味道。《外婆》告诫当今的人们孝顺长辈不但要给予物质上的赡养，还要给予精神上的关爱。《听妈妈的话》通过与童年时自己的对话教育现在的孩子要爱自己的妈妈，要听妈妈的话，让她少操心。
三、叙事语言
朱光潜先生曾说过，西诗以直率胜，中诗以委婉胜。当下流行音乐的歌词以直截了当为风尚，浅白易懂到无味地步。而周杰伦的歌曲语言却能以中诗的委婉胜，这在于它的叙事不但十分注重琢词炼字，而且大量出现传统文学中常见的比喻、拟人、引用、通感、用典等叙事手法，使作品体现出了与中国古典诗词一脉相承的风格与神韵。“残满地伤你的笑容已泛黄”（《台》）运用“通感”的修辞手法，将“的黄”与“笑容的黄”一起呈现音乐论文，使人感到曾经温暖甜美的笑容已逐渐淡离远去，令人无限伤感。同时，这句又令人想起李清照的“人比黄花瘦”的名句，真是更添思念哀伤之情。“只恋你化身的蝶”（《发如雪》）用的是民间传说“梁山伯与祝英台”中“化蝶”的典，《发如雪》歌题本身对李白“白发三千丈，缘愁似个长”的转化，《《四面楚歌》歌题用是项羽的历史典故，这些切题达意，浑然天成的用典或转化以古喻今，使歌曲显得古朴而文采斐然，体现出以少胜多的简约美，还体现了中华文化的悠久历史和深厚根基。
语言是文化的一部分，没有语言就没有文化，同时，语言又表达着文化，可以说，语言能够反应一个人特性，包含着一个人的历史与文化背景与反映着人对世界与人生的看法与态度。
关键词：高校；中国音乐史；教学改革；探讨
中国音乐史课程是我国“中国音乐史”是我国高等教育音乐教学中的专业基础课和必修课，是音乐专业理论课中重要的内容。同时在各大高校所有音乐方向的研究生考试中都是必考科目。可见中国音乐史这门课程在我国音乐教育中的重要地位。其教学目的是通过阐述我国音乐文化发展历史，使学生把握中国音乐历史发展的主要线索，掌握各个历史时期音乐的主要特征，了解我国音乐发展史上重要的事件、音乐家、作品、理论，音乐与政治社会、经济、文化等各方面的关系等等。使学生了解和掌握中国音乐历史的发展过程、发展规律，全面提高音乐素养，进而引导学生科学地评辨和研究音乐问题，并能将所学的历史知识及方法应用于自己的专业学习，更好地继承和发扬我国优秀的音乐文化传统。
多年来，中国音乐史一直采用传统的理论课教学方式进行，教学的不足：如形式单一、教学媒体落后、忽视学生的主体性等，这些因素已经妨碍了学生在高标准、高效率、高质量的方面接受音乐教育。在教学过程中，学生处于被动学习的状态，教学目的中理论指导实践的作用始终没有得到良好的发挥。本文通过几点思考以及教学方法的尝试，就如何创新改革中国音乐史的教学模式，以期获得较之传统教学更好的教学效果，一些简单的探讨。
一、参考教材，更新知识
教材是供教学用的资料，狭义的教材即教科书（通常称“课本”），是一个课程的核心教学材料。广义的教材指课堂内外教师和学生使用的所有教学材料，比如课本、练习册、故事书、计算机网络上使用的学习材料或教师自己编写、设计的材料。凡是有利于学习者增长知识或发展技能的材料都可称之为教材。
二、信息化运用打造“博物馆式”教学
中国音乐史阐述的是过去的音乐，特别是中国古代音乐史，在学生认为，那是离自己很远的事物，看不到、摸不着、听不见，长期纯理论性文本教学方式只能让学生从教师的讲述中去勾勒和想像，因此造成了大多数学生对学习中国音乐史兴趣不浓，学习动机不足、知识记忆不深的现状，如何针对当代青年学生的特点，创新教学方式成为中国音乐史教师需要思考的重要问题。
21世纪是一个知识、信息、通信的时代，是以高新技术为核心的知识经济占主导地位的时代。青少年学生生活在这样一个信息时代，更易于接受迅速、直观的知识信息。充分利用先进技术，整合现有资源，构建先进、高效、实用数字化教育基础设施是创新改革教学模式，不断提高教育现代化水平的迫切需要。虽然近几年，有些教师或多或少运用了多媒体设备进行教学，但是与其他快速发展的学科相比，达到信息化的程度还相距甚远，在一定程度上制约了新时代音乐人才的培养。
试将音乐、图形、文物等运用信息化技术和手段，将中国古代音乐史立体地再现在学生的眼前，使教学变得形象、直观、立体和生动，就像把学生带进中国音乐历史博物馆，将讲授和参观结合，既激发了学生的学习兴趣，又增加了教学中知识的信息量，教学的效率得以大大提高。
三、专题课教学方式
传统的中国音乐史教学通常是按照历史时期，从古至今地给学生讲述音乐历史的发展，基本上是一种纵向的知识延伸方式，这种方式对于帮助学生了解音乐发展脉络，把握作品风格特点与社会背景的关系都具有非常有利的作用。但是，对于同一音乐现象或作品在不同时期的发展、变化、影响等问题，则横向联系比较的教学方式更能够帮助学生全面地把握音乐发展的规律，深入理解在历史的演变中音乐是如何发展的。所以，在讲述某些问题，如：中国乐律学的发展脉络，中国古代音乐机构，中国古琴音乐，京剧的产生、发展和现状等问题，我们可以采用专题课教学方式，引导学生明确音乐史实，梳理音乐发展脉络，总结历史规律，提高分析研究能力。
四、从学术论文到课堂教学
例如：在课前，要求学生阅读至少五篇关于先秦雅乐的学术论文，假设学生找到并认真阅读以下4篇论文：1.李方元《周代宫廷雅乐面貌及其特征》载《云南艺术学院学报》2002，（2）；2.何涛《论先秦俗乐、雅乐的音声特征》载《江海学刊》2007，（2）；3.任飞《无“商”的西周雅乐》载《中华文化画报》2007，（6）；4.张耀《雅乐含义及先周雅乐的表现形态》载《中国音乐》2006，（2）。那么，仅从这4篇论文中学生至少可以收获到周代宫廷雅乐的形式、使用场合、音乐风格特点、先秦雅俗音乐的区别、先秦雅乐与当时政治的关系等问题。然后，学生可以将阅读中的收获和不理解的问题带入课堂，和同学展开讨论，最后由教师进行总结。这种方式不但完成了教学内容，而且对锻炼学生主动深入地思考问题，追求真理的能力，较之传统讲述式的教学方式更加有效。
五、技能再现音乐，理论指导实践
中国音乐作品是中国音乐史课程中最重要的内容之一。历史上的音乐作品是了解其所在音乐时期风格特征最直接的感知。特别是演奏、演唱专业的学生，在学习中国音乐史的过程中，可以将技能锻炼和理论指导相结合。如在讲到古代某个时期的作品时，请专业学生演唱或演奏，再由教师讲解在当时历史背景下乐曲的风貌，还可以播放原版的古乐音响，让学生用理论结合音响加深对作品的理解之后，重新演唱或演奏，与之前的效果进行对比，鼓励学生逐渐完善演奏风格，提高演奏技巧。由此使中国音乐史教学目的中理论指导实践的作用得到良好的发挥。
六、课外教学
课外教学相对课堂教学来说有着很强的教育优势，能够创设一种特殊的文化环境来实现“环境育人”的功能，取得特殊的教学效果，同时潜移默化地影响学生，并逐步内化学生的素质，扩大学生的地理知识领域，增强学生的求知欲望，激发学生的思维，提高学生的能力。因此，教师应根据当地地理、民族和风俗的特点，积极开展中国音乐史课外教学。同时可以结合民间音乐采风的实践活动，扩大学生的音乐视野，让学生走到实实在在的音乐生活和音乐土壤中去。如学习当地的民间歌曲、民族舞蹈、民族器乐，参观音乐历史博物馆和优秀的音乐文化历史遗存，访谈著名表演艺术家、音乐教育家等。此种教学模式，丰富了中国音乐史的教学内容，让学生通过主动了解本地的音乐文化发展和所取得的成绩，激发了学生的自豪感、爱家乡和学习、探究本土音乐文化的热情。
会议专家主要来自中央音乐学院、中国音乐学院、中国艺术研究院、南京艺术学院、厦门大学、扬州大学及淮河流域的大部分高校，共19家单位，参会一百余人。研讨共分四个单元，提交论文四十余篇，与会代表宣读论文28篇，专家们就淮河流域音乐文化研究策略、方法、平台建设、音乐“非遗”等主题以专题发言和评议结合的方式进行了深入探讨和交流。
一、专家发言内容精辟、观点深邃
周显宝在《自然生态与人文景观之互育共生――人文地理学视野中的皖北仪式音乐研究》中指出西方人文地理学关于观念、行为和人文景观及其互育关系的研究，为非物质文化遗产的研究和保护提供了一个新的视角和方法。杨传中在《多学科视角看花鼓灯歌舞艺术中的文化》中强调花鼓灯歌舞艺术是中国民族民间歌舞艺术重要品类，兼具舞蹈、灯歌、锣鼓与后场小戏表演等诸种表演样态，从多学科进行研究将得到很好的阐释。杨民康在《从北方秧歌的生存现状看当代传统乐舞文化变迁的几个特征》中根据近十余年来在北方秧歌展演等地进行田野考察的经历，对该类乐舞展演活动的当代文化变迁状况予以研究和分析。
二、采风、研讨、表演三位一体
大会在信阳市罗山县周党镇龙镇村罗洼组李世宏皮影基地设置了第二会场。专家们参观了皮影工作室、皮影戏戏台、皮影藏品陈列厅等。信阳师范学院音乐学院纪华林、陈依雯、郭德华、金平、于立刚、刘世嵘六位教师分别做了题为《走进课堂的豫南花鼓灯》《浅谈豫南花鼓灯文化的传承》《淮河流域戏曲音乐的实证研究》《罗山皮影戏的发展历史及传承机制研究――以李世宏皮影基地为例》《信阳新县“三壁吹打乐”音乐文化特征分析》《淮河流域花鼓灯艺术表演形式的比较研究》的发言。
研讨会后，与会专家在皮影基地大院欣赏了由李世宏和王晓丽一起表演的传统罗山皮影戏《文武魁》。表演结束，专家针对演出中的楔子全集、曲牌集子、大板词等唱词和主打腔调“西调”“扑地哼”调和“南调”进行了记录。在采风现场进行学术研讨是此次大会的一个亮点，这使民族音乐理论研究与民间活态紧密结合、相得益彰，让书面历史与当下传统对接，有较强的实证性和现场感，让历史、传统、田野三者相互比较、印证。
在会议的开幕式上，中国传统音乐学会副会长王耀华发表了热情洋溢的开幕词，对两年来中国传统音乐研究与教学的丰硕成果给予充分的肯定，对中国传统音乐研究与教学的人才队伍年轻化、专业化和迅速扩大化的发展趋势给予大力的赞赏。中国传统音乐学会副会长樊祖荫主持了大会的开幕式。文化部陈迎宪处长从艺术科学研究的角度，表达了对中国传统音乐研究的殷切期望，并从科学选题、学术规范等方面提出了具体的要求。浙江省音乐家协会主席晓其和杭州师范学院院长林正范以东道主的身份向大会致欢迎词，杭州师范学院音乐艺术学院院长田耀农向大会报告了会议的筹备过程。杭州师范学院林正范院长在欢迎词意指出：中国传统音乐学会的年会在杭州师范学院召开意义重大而又深远，因为杭州师范学院的前身就是1908年建立的浙江省两级师范学堂，鲁迅、李叔同等一代宗师都曾在这里执教，李叔同先生首先在这里开始了他的乐歌教学，所以，中国现代音乐教育就是从这里点燃了启明的火炬。
开幕式结束后，大会即进行专题学术论文的宣读和研讨。来自全国的188位会员和近年来投身中国传统音乐学习和研究的莘莘学子共向大会递交了122篇学术论文。会议分“中国传统音乐学科理论及方法论研究”、“中国传统声乐理论研究”、“中国传统器乐理论研究”等三个工作坊同时进行，25位资深学者分别担任各工作坊的主持人。
在“中国传统音乐学科理论与方法论研究”工作坊里，蔡际洲从“中国传统音乐的研究角度”层面提出中国传统音乐对象分类及不同对象的研究方法等问题，对该领域的研究现状进行了概观性的归纳。李敬民阐述了民族音乐学跨学科研究的基础，提出构建和完善民族音乐学研究横跨自然科学、社会科学、人文科学、技术科学下学科理论体系的设想。陈天国和苏妙筝论述了音乐的社会功能，提出当下社会出现的音乐偏阴偏阳的不良倾向。王晡对传统音乐的消亡趋势进行了学理层面的分析。王家栋提出传统文化是建设现代文化名城的基石的问题。田耀农提出人类音乐应分为民族音乐和艺术音乐两个不同类别，指出了二者各自的质的规定性，认为二者虽有密切的联系，但又各有不同的使用场合；将民族音乐当作艺术音乐的结果不仅不是对民族音乐的保护和弘扬，反而在客观上造成了对民族音乐的矮化和贬低。
这次年会，更多的学者把研究目光投向了中国传统音乐的教育。杜亚雄对如何实施“以中华音乐文化为母语的音乐教育”提出了具体建议。关孟华对中国民族音乐教材建设提出了自己的设想。蓝雪霏提出现代化语境下民间音乐教学需要应对的问题。解超颖介绍了在普通高校开设民族民间音乐课具体做法和实践经验。杨建伟提出乡土音乐应在高师音乐教学中得到有机融合问题，并提出了具体的融合办法。王州从“课程资源”的角度提出开发“世界民族音乐”课程资源的建议。孙凡从非物质文化遗产保护与中国传统音乐教育的角度提出开设“中国世界非物质文化遗产”课程的建议。
有些学者在自己原有研究成果的基础上继续深化本领域的研究，特别是在传统乐学领域，郑荣达对“宫调”的概念内涵进行了分时期的界定，认为“宫调”在不同时期、不同场合的内容所指有所不同，特别是宋以后，明清二代宫调的数量逐渐减少，实际是宫调的内涵在逐渐地变化，正是调式观念的淡化才导致了后人以为宫调逐渐减少的错觉。
有些研究者从史学考证和训诂的角度，探索了中国传统音乐形态、风格的渊源，如姚治中考证了皋陶文化与皖西乐舞的关系，提出皖西霍山地区文化包括乐舞文化基本是少昊部落文化，含有某些三苗文化的特征，进而提出三苗文化的源发地在江淮的大别山区而不是今天的东南山区和西南山区的观点。王洪军考证了大司乐音乐的具体形态。邓晴南对唐代坐部伎、立部伎进行了断代考证，认为二部伎作为一种演奏形式可以追溯到西周，它的余声遗音与宋教坊乐相交融，并继续发展延伸。
在“中国传统声乐理论研究”工作坊里，王耀华运用旋律音调结构分析的方法，通过和苗族、瑶族、汉族客家民歌的比较，探寻出畲族民歌的音调的特色。杜鹃运用“三声腔”的调式理论，探究、分析了浙江民歌的调式特点。汪瑶从已出版的27卷《中国民间歌曲集成》的8839首民歌中鉴别出139首形态各异的《茉莉花》，从音乐和文学两个方面对“茉莉花歌系”进行了较为系统的梳理。张延莉以600多首蒙古族民歌为实例，讨论了蒙古族民歌羽调式占主导地位的现象及成因。廖松青采用频谱分析的研究方法，对祁剧《法场祭奠》“倒三秋”唱段的三个版本进行比较研究，阐释了同一剧目的同一唱段经不同时代和不同演员的演唱诠释所形成的区别。
曹丽君实地考察并报告了甘肃省榆中县的地方小曲“青城小调”的发展历史、演出形式、乐队组成和演出内容。黄成元对江西的“赣傩舞音乐”的乐曲和功能进行了较全面的调查研究。南鸿雁通过对宁、沪、杭三地天主教音乐的考察，认为中国天主教音乐正在经历着向中国本土化方向的探索、融合、发展。姚艺君通过对东北地区的草根文化的代表“二人转”的研究，审视了中国传统音乐在现代化进程中所经历的生存挑战，描述了草根文化面对不同生存环境所具有的生命力。张羡声根据自己对当下粤东北城镇地区兴起的客家山歌“山歌会”的现场调查，报告了现代化背景下传统音乐兴起的过程和方式，并提出采集、研究客家山歌的迫切性与必要性的呼吁。杨阳、王亮对山西临县伞头秧歌近年来的新发展进行了调查、分析和研究，指出伞头秧歌的产业化发展是当地经济和文化发展的必然要求，伞头秧歌也必须在发展中求保护，在发展中求利用。赵海英对山西河曲民歌的现状进行了较为系统的调查分析，认为河曲民歌完成了走西口这一长达500年的移民历史叙述和完整的西口诗史。
刘厚宇对汉族民歌色彩区的研究进行了比较全面的概括和总结，苏青运用文化地理学的理论对江苏民歌进行了分类性的研究，认为江苏民歌可以分为苏南民歌、苏北民歌和江淮民歌三大类别。方芸从文化地理学的角度阐释了《孟姜女》流变所形成的文化生态及其社会功用。张斌把梆子腔音乐与其根植的文化环境联系起来考察，认为地理、古代文化、语言等是梆子腔音乐风格形成的前提。
在“中国传统器乐理论研究”工作坊里，研究者的研究主要集中在乐种的调查报告和乐人、乐事、乐器、班社的个案研究等两个领域。乐种的调查报告在本次会议收集的论文中占有较大的比例。鲍文敏通过实地考察，报告了沙市地区民间吹打乐“挑鼓子”的班社组成、活动形式，以及使用的乐器、乐谱，对“挑鼓子”这个民间吹打乐乐种的继承和发展进行了归纳和探讨。王小峰从文化人类学的视野对陇东丧俗仪式中鼓吹乐的生存背景和社会文化功能进行了比较详细的描述和解释。郭威分析并报告了山西长子鼓书的流行现状，分析了当代长子鼓书兴盛的客观原因。
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毕业论文摘要
关键词：民族音乐；民族音乐教育；审美教育
ABSTRACT
TraditionalfolkmusicisthetreasureofChinesenationalculture.Knowingthemisthatweknowournationalhistoryandculture.Appreciatingthemisthatweembodyournationalspiritandsentiment.However,weshouldseethatthedescribedmethod、structurelogicandaestheticorientationoftraditionalfolkmusicisverydifferentfromtoday.Especiallystudentsliveinasocialwithcomplicatedinternationalculture.So,theinfluenceofmodernWesterncultureandcontemporaryaestheticawarenessalreadyhasmadedifficultforthemtohavearesonancewiththeplainfolkmusic.Hence,howtheyembodythebeautyoffolkmusicinfolkmusiceducation,andhowtraintheiraestheticviewtofolkmusicisthequestionthatmusiceducatorsallconcern.Firstlythesituationofnationalmusiceducationisdescribed.Secondlytheinfluenceofthemusicaestheticeducationisanalyzed.Thirdly,theimplementmethodsofnationalaestheticeducation.
Keywords:Folkmusic;Folkmusiceducation;Aestheticeducation
二、综合评析
（一）理论建构严密，层层递进
（二）“融入”与“跳出”的研究方法
（三）坚持文化脉络中的戏曲音乐研究
三、余论
社会艺术论文
一、艺术院校德育工作的形势和任务
根据文化部的关于加强和改进艺术院校德育工作的实施意见中主要内容：艺术院校是培养社会主义文艺专门人才的学校，要重视从自身的行业特点出发，研究文化体制改革和艺术教育自身改革的新情况、新问题；要加强文艺理论教育，引导青少年学生树立科学、正确的艺术观，增强社会责任感；要加强文艺为人民服务，为社会主义服务方向的教育，使青少年学生牢固树立全心全意为人民服务的观念；要加强对青少年学生进行弘扬民族优秀文化和民族优秀道德传统的教育，使他们在继承中华民族传统优秀文化艺术和学习借鉴外国优秀文化艺术成果过程中能正确区分和辨别其中的精华与糟粕，所有这些都是新时期艺术院校德育工作亟需研究和解决的新课题，这也是艺术院校新时期德育工作的重点。
二、高等艺术院校为普及社会艺术教育工作服务的责任与义务
高等艺术院校的社会艺术水平考级部门的任务是科学公证地评价和确认考级者的能力与素质；使广大的考级者通过学习艺术，懂得艺术理论知识，掌握专业技能，理解艺术内涵，提高艺术表现力。[注释2]高等艺术院校有责任有义务正确引导学生与家长对学习艺术教育的认识，让其充分了解艺术对孩子现在和将来的影响。引导家长怎样为学生正确合理地选择适合自身孩子的专业，更好地培养孩子的情操；让高校艺术教育走向大众，让百姓了解高校专家讲学并非奇门遁甲，纠正社会艺术教育中的不正之风，促进艺术教育系统在正常轨道上良性发展。
三、高等艺术院校社会艺术水平考级中心点评、讲座与精品音乐会工作同步并行
（一）点评打分工作
在学习艺术的学生与家长心目中高等艺术院校是他们的梦工厂，社会艺术水平考级的考官是他们备受尊敬的专家与标杆。他们非常重视每年的社会艺术水平考级，考级不仅为学生提供了展示和交流的平台，在初级到高级的考试中学生们也得到了锻炼，包括临场发挥和心理素质的锻炼；而且业余学习艺术的学生通过考级还能得到专业评委的评定，得到评委们给予的综合认可与鼓励。如沈阳音乐学院社会艺术水平考级的打分单分为键盘类、声乐类、管弦器乐类、民族器乐类、舞蹈类、播音主持类等，考官根据学生所报考的规定作品，通过节奏、音准、乐感、礼仪、熟练程度、完整性、流畅性、协调性、基本功等十余项方面进行综合评价，考官通过每次言简意赅的点评内容给学生与家长留下了深刻的印象与启发，对学生进一步学习艺术起到了正确的引导与激发作用，为业余学习音乐的学生提供了专家级水平的鉴定。
（二）讲座交流工作
高等艺术院校的社会艺术水平考级中心每年应与当地考级机构合作方商榷，为社会学习艺术的学生建立专家讲学交流平台，积极开展艺术教育学习、培训等工作，为国家选拔培养后备艺术人才做出应有的贡献。
（三）精品音乐会
高等艺术院校的社会艺术水平考级中心每年应组织评选优秀考级学生，组织优秀学生举办精品音乐会，为其提供良好的演出锻炼机会；建立社会艺术水平考级优秀学生数据库，为挖掘艺术人才提供推介平台。
四、高等艺术院校为社会艺术教育工作服务的理念与重要意义
高等艺术院校在不断更新教学理念、培养高素质人才的同时，应以教育服务的角度出发，为社会艺术教学工作做好引导、督促、挖掘艺术人才、培养艺术的后备力量，让每一位接受艺术教育的学生真正做到学有所爱、学有所通、学有所用、学有所展。为学习艺术的学生接受正规、优质的艺术教育提供良好的教育平台；积极督促与严格要求各地方社会艺术水平考级合作机构应根据不同学生的特点，科学合理地引导学生学习符合自身特点的专业；做好学生与专业、学生与家长的良好桥梁；让其了解艺术教育的重要意义与作用。